Vous l ‘aurez compris, aujourd’hui ma chronique dégouline de bonheur cinématographique, mais pas de joie de vivre. La bonne nouvelle, c ‘est qu’on ne fait plus de film où un enseignant, fut il l ‘homme le plus sexy de la planète (Adrian Brody), sauverait le monde. La mauvaise se résume dans la citation de Jaime Semprun.

Detachment met en scène un remplaçant. Il prend une classe qui ressemble à tant d’autres classes, enseigne un temps, mais ne se sauvera pas, lui même étant sérieusement dérangé. Il ne sauvera pas non plus ses élèves de la médiocrité, du chômage et des coupons alimentaires, no future, comme on dit. L ‘école est désargentée, les parents n’existent pas. Les livres n’ont jamais sauvé des vies, et même si les jeunes apprennent un peu ce qu ‘est la littérature, chacun retournera à son échec, à son VIH ou aux deux.

La mise en scène de Tony Kaye agace parfois un peu, trop esthétisante, trop indie. Réalisateur funambule, fils de produits hollywoodiens hyper markétés, mais penché sur le côté obscur de la vie, il réalise néanmoins l ‘anti Précious, et peut-être faut il cela pour servir un discours aussi noir.

Curieusement, outre cette belle réalisation, je suis rassérenée par cette noirceur honnête. Cette tentative d’ »Etat des Lieux » qui n ‘arrive pas à être froide. Dans un monde où l ‘on devrait être de bonne humeur et optimiste tout le temps, il arrive un moment ou le personnage principal, le réalisateur, et le spectateur communient dans leur désespérance quand à l ‘avenir. Ce n ‘est pas joyeux, ce n ‘est pas grand chose, mais je trouve cela grandement réel.

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Car si son parcours force le respect, Margaret Thatcher a quand même des airs de méchante de cinéma. Mais comme elle a le visage de la douce et merveilleuse Meryl Streep, ça passe.

On apprend un tas de trucs mais on ne saisit jamais vraiment comment cette fille d’épicier au long nez et à la voix perchée a réussi à finir leader d’une puissance occidentale dès 1979 et pour près de 12 ans. C’est le principal défaut du film. On a bien compris que sous airs de petite bourgeoise, elle avait la force de caractère et une intelligence (elle est passée par Oxford) qui manquaient à ses confrères masculins de l’époque. On sent bien qu’elle s’est trop battue chaque jour de sa vie pour adhérer à la culture de l’excuse. Mais ça ne suffit pas expliquer l’exception Thatcher.

Les féministes ne le citent que rarement mais elles devraient faire de Thatcher une icône. L’anti-Ségolène Royale, cette candidate à la présidence selon laquelle les femmes feraient de la politique parce qu’elles ont un instinct de mère. Thatcher est aussi dure et fait autant d’erreurs qu’un homme et c’est ce qui rend sa personnalité fascinante. Phyllida Lloyd la protège un peu trop (peut-être parce que Margaret est toujours parmi nous…) pour lui rendre l’hommage qu’elle mérite. Thatcher n’a jamais eu pitié de personne et n’a jamais demandé celle des autres.

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Mari gentil mais trop mou, père aimant mais absent, il prend une piqûre de réalité quand sa femme succombe à un accident de bateau et qu’il apprend qu’elle le trompait. Son travail de deuil, c’est de redevenir un homme et de rapprocher de ses enfant, comme dans Monsieur Schmidt, autre bon film de Payne. La jolie scène de fin (une glace sur le canapé devant La Marche de l’Empereur) montre bien que malgré sa mélancolie très européenne, il est bien Américain.

Clooney va sans aucun doute se faire piquer l’Oscar par l’exotique Jean Dujardin et ce n’est pas bien grave puisque les Oscars ne signifient plus grand chose depuis que Gwyneth Paltrow en a reçu un pour Shakespeare in Love. Il n’empêche qu’il joue merveilleusement bien le veuf cocu. Rien que le fait d’être crédible dans le rôle du mec anti-cool, ça relève de l’exploit.

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Comme dans les films argentins notre histoire dure depuis plus d’une dizaine d’année. En ces temps reculés, dans un autre pays, l’étudiante que j’étais regardait les affiches de Ricardo Darin, il jouait dans une pièce de Yasmina Reza à guichet fermé. Un ami l’entraperçu devant un hôtel de luxe. Pas de doute il était là. J’enfilais mon habit de noctambule festive, mélange de catwoman espagnolisante et de punk attardée,  et m’installait dans le hall de l’hôtel prestigieux, questionnant le réceptionniste, puis son remplaçant. Relation de travail, pute, amie de son agent, rien n’ y fit, il n’ y avait pas de M. Darin dans cet hôtel – veuillez quittez le hall s’il vous plait pour la dernière fois-. Le cœur lourd dans le bustier noir, je repartis.

Cette histoire est absurde mais réelle. Aussi  absurde et réel que le thème d’El Chino (un conte chinois en VO), une jolie comédie sur la différence, où un solitaire, collectionneur d’histoires absurdes, rencontre un chinois qui va l’aider à se désencastrer de lui même.

Soyons honnête, rondement menée, cette comédie ne casse pas trois pattes à un canard. Surtout à l’aune de la filmographie de Ricardo Darin, de Neuf reines à Carancho en passant par Le fils de la mariée et tant d’autres, dont le désormais international Dans ses yeux.

Je n’ai pas l’âme d’une groupie, mais Darin transformerait un bac de glace pillée en adoratrice du mal. Parce qu’il est un merveilleux acteur, parce qu’il incarne Buenos Aires, intello et graveleuse, italienne et lointaine, et parce qu’il fait partie de ceux qui ont juste besoin d’apparaître à l’écran pour passionner le public.

Il badine avec la salle, fait plier l’Assemblée de rire, se moque du staf, et dit quelque chose d’intéressant : l’extrême qualification du public, qui voit de plus en plus de film, qui a de plus en plus d’exigences, et la difficulté permanente pour l’acteur qui veut surprendre encore, et lui, Ricardo Darin, il essaie. Moi qui ai toujours pensé qu’aimer, c’était surprendre, je n’ai qu’une seule conclusion, nous étions fait pour nous entendre.

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Son film ne s’arrête jamais. Ca fourmille dans les décors, dans le scénario et dans sa caméra. Il recycle la bonne idée du premier épisode (Holmes anticipe les coups qu’il donnera dans une bagarre) et s’offre une fusillade en mode Matrix. Et puis, le Dr Moriarty est un méchant bien plus consistant que celui du numéro 1.

Mais la principale nouveauté, c’est l’ambiguïté des rapports entre Holmes et Watson. La copine d’Holmes est tuée dès les 5 premières minutes. Pépère vit très mal le mariage de son camarade. Il quitte la cérémonie avant la fin et jette d’un train la femme de Watson qui lui-même a une réaction étrange quand son copain frôle la mort. Pourquoi pas?

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Levinson n ‘invente rien sur les traumatismes familiaux contagieux qui s’étendent comme des tâches d’huiles, sur les pères égoïstes, sur l’importance de l ‘approbation de la génération du dessus,  le belles mères sorcières, ni sur les adolescents dépressifs. Pourtant son talent d’écriture fait plus d’effet qu ‘un film d’horreur, même si on rit aussi devant Another Happy day. Hormis le Livre de la Grammaire Intérieure, particulièrement atroce dans le genre et beaucoup moins accessible, je n ‘ai pas vu mieux.

Les films ne sauvent pas des vies. Mais certains films ont des pouvoirs guérisseurs. Another Happy Day, premier film d’un jeune type de 25 ans me fait gagner 3 ans de psychanalyse, et rien que pour ça, le cinéma est un art.

(nouvelle publication d’une chronique du festival de Deauville)

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Ca se sent dans son premier film, adaptation d’un de ses romans où le face caméra remplace la narration à la première personne. Beigbeder met forcément un peu de lui (Gaspard Proust a le même visage disgracieux, un livre à succès le rend médiatique) dans son histoire. La fantastique scène du début qui résume en 3 minutes 3 ans de relation a de quoi filer le bourdon à n’importe quel amoureux.

L’humour des dialogues (on rit souvent) et les idées d’écriture plus que de forme (le texto qui s’écrit à l’écran, c’est du déjà vu) prend le relais de la cruauté initiale. Dommage que sur la fin, le film n’assume pas son optimisme de comédie romantique et sombre dans la confusion, comme celui qui essaierait de justifier un mensonge.

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Le Canadien s’attaque sans peur aux débuts de la psychanalyse et à la querelle entre le maître autrichien Sigmund Freud (étonnant Viggo Mortensen qui lâche pas son cigare) et le disciple suisse Carl Jung (Michael « Shame » Fassbender). Au milieu, il y a cette Russe aussi SM que brillante (Knightely donc).

Malin, Cronenberg sexifie l’austérité de la psychanalayse et du propos (en gros, l’un écrit, l’autre lui répond) en confiant les rôles principaux à deux beaux gosses plutôt qu’à des clones de Woody Allen. Le Suisse veut introduire de l’ésotérisme dans sa théorie. Freud préfère le concret du dessous de la ceinture à une époque où le monde n’a pas encore adhéré à l’idée du Moi, du Surmoi et du reste. C’est parfois un peu complexe pour un cerveau de base comme le mien mais ça n’en reste pas moins instructif. De toute façon, à l’ère de Secret Story, tout film mettant en avant les hauteurs de l’esprit sera accueilli ici avec bienveillance. Même s’il y a Keira Knightey dedans.

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Ca fait un paquet d’années maintenant que Cage fuit les bons scénarii et les bons réalisateurs. Roger Donaldson tourne un film mou du genou et bas du front. Y a pas un début de commencement de propos pertinent sur les limites de l’autodéfense. C’est du niveau téléfilm dans le jeu, l’écriture et la mise en scène. A 10 euros la séance, autant rester chez soi et lire l’excellent bouquin de Fatih Beddiar.

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Philippe Lefebvre sert de guide au spectateur. Il suit froidement Simon Weiss (très peu d’effets de style visuels ou sonores) pendant cette nuit comme les autres sauf que pas tout à fait. Le réalisme des situations paraît évident même aux non-strausskahniens qui ignorent tout de ce monde-là. Lefebvre ajoute un peu de cette nuance qui manque au cinéma français dans ce genre d’histoires. Alors c’est parfois un peu mou mais toujours captivant.

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